【展宣】BREAKING THE WAVES破浪 chi K11美术馆

来源:漫展组委会@网络
2021-07-12 17:40

温馨提示

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项目介绍


展览简介

上海K11邀你“破浪”同行,探索艺术对话

 

(2021年7月,上海)由K11 Art Foundation(KAF)主办、国际当代艺术杂志ArtReview策展的《BREAKING THE WAVES破浪》,于2021年7月17日至10月17日在上海chi K11美术馆呈现。《BREAKING THE WAVES破浪》汇聚来自世界各地14位(组)艺术家的作品为后疫情时代发声,将讨论与对话视为当代艺术的基石,着重观察交流与社会交往在当代实践中的作用。此外,本次展览还探索了艺术发展交流和接触的各种可能性,揭示了通过艺术达成沟通和联结世界的种种方式。

 

 

《破浪》指的是波浪拍打海岸时的持续不懈,同时也是逆流而上、破空而出的行动。在当时当下,当我们逐渐进入重塑中的后疫情世界时,《破浪》试图传达一种对复兴潜能的乐观情绪。作为对艺术的破局思维与反叛精神的一次颂扬,《破浪》寻求与社区、团结,以及既具有启发意义又充满挑战的新未来和新可能性的愿景进行对话,而这正是艺术的能量所在。

 

本次展览汇集了来自世界各地的14位(组)艺术家:拉里·阿奇安蓬,Chim↑Pom,里彭·乔杜里与何子彦,阿德里亚诺·科斯塔,艾萨·霍克森,迈克尔·朱,雅克·雷纳,毛利悠子与大卫·霍维茨,劳伦·普罗沃斯特,史莱姆引擎,沃尔夫冈·提爾曼斯,郑波。艺术家展出的每件作品都以一种“对话”的形式呈现,凸显艺术家之间的交流与相互影响。同时,艺术家的创作在展览中游走于工作和游戏之间,所涉及的议题囊括了人类与自然的关系、迁徙和流动的状况、剥削与合作、新技术的潜能,以及艺术家与其同行合作或对话的方式——无论他们面临着怎样的时空阻隔。同时也展示了艺术是如何为我们提供一种崭新的或替代性的视角来观察世界,并在其中定位自身的。

 

其中,艺术家兼摄影师沃尔夫冈·提爾曼斯以镜头聚焦外部世界,从伦敦、诺丁汉到火地岛、塔斯马尼亚、沙特阿拉伯和巴布亚新几内亚,在实践中解答日益饱和的世界里图片创作的意义;在这个混合的当代世界,美籍韩裔艺术家迈克尔·朱致力于探讨身份和知识的概念,通过视频作品探讨并试图解决对“边缘“概念不断变化的想法;创立于上海的史莱姆引擎致力于通过不受时空限制的虚拟世界呈现丰富的当代艺术形态,此次展出作品《海洋》是其开发的一款第一人称视角美术游戏,与数字沉浸式海洋中的 100 多位艺术家合作,让观众在艺术品中尽情冲浪和浏览。

 

艺术家们通过不同的媒介和各自的表现形式来探索世界、联结世界,呈现“对话”和“相互影响”在实践中的重要作用。本次展览亦集结了静态和互动式的多元作品,邀请观众成为艺术旅程中的“同行者”。旅途中既有个人观点的展开,亦有集体意识、共同愿景的运作。它渐进地揭示了个人如何成为公众,以及艺术如何引导个体见教于他者,这正是公平的社会对话所需的基础。

 

《破浪》试图跨越世代和文化,联结、对照和探索生生不息的创造浪潮。作为上海K11“联结世界”主题活动中的重要一部分,《破浪》旨在用艺术联结世界,为艺术爱好者们提供近距离接触当代艺术的体验。接踵而至的8月,K11还会集结两位国际艺术家的重磅作品呈现这场“联结世界”的艺术盛宴:威尼斯双年展参展艺术家盐田千春2021新力作的中国初次展出,以及韩国艺术家徐道获个人作品也将在chi K11美术馆展出,更多后续活动详情,敬请持续关注上海K11官方微信。

 

演出攻略

展览名称:BREAKING THE WAVES破浪

展览日期:2021年7月17日–2021年10月17日(参观时间:10:00-20:00,19:30停止售票/入场)

展览地点:chi K11美术馆(上海市黄浦区淮海中路300号上海K11购物艺术中心B3层)

注意事项

展览早鸟票/全价票:以上购票者请于2021年7月17日之后至chi K11美术馆前台兑换门票,一人一票,一次入场有效。

优惠政策

(1)免票人群说明:每一位成人可协同一位1.3米以下儿童,儿童享受免票(每张票限一名儿童免票);70周岁以上老人、残疾人凭有效证件可免费参观,一人一票,一次入场有效。

(2)现场优惠票(60元):全日制大学本科或以下学生及在职教师凭本人有效证件,可至展览现场购买优惠票;20人及以上团体购票,同样可享受此票务优惠政策,一人一票,一次入场有效。

(3)艺术联盟会员可免费观展。(4)K11金卡会员凭有效会员卡至chi K11美术馆前台购票,可享买一赠一优享(网络通票同享此优享,每卡只限一次优享,早鸟票不享受此优惠)。

 

交通指引

地铁1号线,一大会址·黄陂南路站

 

艺术家及作品介绍

拉里·阿奇安蓬(Larry Achiampong)

拉里·阿奇安蓬(Larry Achiampong)

 

拉里·阿奇安蓬(生于1984年)现工作、生活于伦敦。基于他的加纳血统,拉里·阿奇安蓬的独立和合作项目采用图像、视听档案、现场表演和声音来探索阶级、跨文化和后数字身份等概念。他的作品曾在泰特美术馆、创意艺术学院(开普敦)、英国电影学院、夏洛特堡宫博物馆(哥本哈根)、波喀非洲流行音乐档案基金会(阿克拉)、洛根展览中心(芝加哥)、新奥尔良“前景”双年展、第57届威尼斯双年展和2019年新加坡双年展等展览和机构广泛展出。他目前正在进行的项目包括The Line(伦敦)和De la Warr Pavilion(滨海贝克斯希尔)的两件委任作品。阿奇安蓬目前是国际视觉艺术学院(Iniva)的董事会成员,也是2019年保罗·哈姆林基金会艺术家奖的获得者之一。

 

Beyond the Substrata, 2020, 4K video

 

《地层之外》(Beyond the Substrata)完成于艺术家在伦敦沃尔瑟姆森林驻留期间。艺术家在伦敦一家废弃的超市内创作,将该建筑作为一种手段来探索对伦敦东部地区影响深远社会和**问题,包括种族、阶级、性别和士绅化。沿着空荡荡的过道,身着黑衣的舞者Kanika Skye-Carr表演了经过编排的动作,似乎在宣告重获这个符号性的消费**和监控空间。同时,一个好奇的叙述者对黑人身体所经受的**化和暴力发出质疑:“告诉我有什么好怕的?是底层之下低音的颤抖,是洞的深度,是吸收所有的光,是遗忘?对黑色星球的恐惧。生死相随,不是吗?”

 

CHIM↑POM

CHIM↑POM

 

Chim↑Pom是来自东京的艺术家团体,由卯城龙太、林靖冈、Ellie、冈田将孝、稻冈求和水野俊纪于2005年组成。他们寻求将艺术融入“现实世界”,其作品往往具有煽动性,指向当时当地的社会问题。他们曾在MoMA PS1、Parco博物馆(东京)、萨奇画廊(伦敦)举办个展,并参加了圣保罗双年展、上海双年展、里昂双年展和亚洲艺术双年展等国际大展。2015年,他们在东京开设了艺术家运营的空间Garter,用以策划和展示其同时代艺术家的作品。

 

Super Rat, 2006, sculpture

 

自2006年以来,Chim↑Pom一直在用渔网捕捉超级老鼠——将它们制成标本,再把它们涂成类似皮卡丘的黄色。老鼠被认为是城市中的讨厌鬼,但Chim↑Pom对这些近乎变异的啮齿动物的复原力和生存能力表示钦佩;它们和Chim↑Pom的成员一样,把东京当成了自己的家。在《死亡之黑》中,艺术家们试图与另一个入侵物种——乌鸦进行交流。他们用一只乌鸦标本和扬声器中播放的乌鸦叫声吸引了一群乌鸦;后者以留在福岛周围禁区的牲畜为食,数量激增。艺术家把这些乌鸦带出了危险区。像超级老鼠一样,乌鸦已经进化得更聪明、更灵活,而且团结一致:它们的自然行为之一是跟随并试图拯救被抓的同伴。

 

阿德里亚诺·科斯塔(Adriano Costa) 

阿德里亚诺·科斯塔(生于1975年)工作、生活于圣保罗。他的作品将幽默和文化评论相结合,曾在科隆艺术协会(2018)、TOMIE Ohtake学院(圣保罗,2018)、David Kordansky画廊(洛杉矶,2016)和Mendes Wood DM画廊(圣保罗,2015)展出。阿德里亚诺曾参加的机构群展包括:“日常诗学”,西雅图艺术博物馆(2017);“水果与懒散”,Lothringer 13 Halle,慕尼黑(2017);“想象巴西”,阿斯楚普·费恩利现代艺术博物馆/里昂当代美术馆(奥斯陆,里昂,2014)。

 

Wish / Mourning Version, 2014 – 2021, 140 x 140 cm, 98 bricks, 13 bubble gum with colour, 4 marlborough cigarettes

 

《许愿/哀悼版本》(2014-21)将50个混凝土块放在地板上,构成一个矩形。作品继承了极简**的传统,但却破坏了极简风格追求优异的癖好——砖块之间粘着嚼过的口香糖和烟头。除了向艺术史致敬以外,这件雕塑还受到耶路撒冷哭墙的影响;在那里,朝圣者将愿望放在石头的缝隙中。在此背景下,吸烟和咀嚼就有了一种极具仪式感的性质:希望和梦想在人行道的裂缝中被发现。

 

里彭·乔杜里 & 何子彦(Ripon Chowdhury & Ho Tzu Nyen) 

里彭·乔杜里出生于孟加拉国吉大港,自2010年以来一直在新加坡的一家船厂从事品控工作。他是一位线上活动家和博客作者,也从事有关当代问题、社会、**和宗教等议题的写作。在孟加拉国时,他写作的短篇小说、儿歌和诗歌曾发表于多种报纸和杂志。2017年,他的诗歌入围新加坡移民工人诗歌比赛;在2018年的比赛中,他获得二等奖。他相信这个世界终将为人类而存在。

 

何子彦(Ho Tzu Nyen)

 

何子彦(生于1976年)是一位常驻新加坡的艺术家,他通常以历史、哲学文本及物件为出发点进行电影、装置和剧场表演的创作。何子彦的作品曾在山口媒体艺术中心(2021)、光州双年展(2021)、Edith-Russ-Haus for Media Art(奥尔登堡,2019)、汉堡艺术协会(2018)、明当代美术馆(上海,2018)、亚洲艺术文献库(2017)、毕尔巴鄂古根海姆美术馆(2015)和森美术馆(2012)展出。他代表新加坡参加了第54届威尼斯双年展(2011)。他还与中国台湾艺术家许家维共同策划了在国立台湾美术馆举办的第七届亚洲艺术双年展“来自山与海的异人”(2019)。

 

Waiting (collaboration with Ripon Chowdhury), 2020, Video, 4 min 44 sec, wall text

 

在这个合作作品中,何子彦邀请了来自孟加拉国吉大港的诗人、作家和活动家里彭·乔杜里,记录他在新加坡一个移民宿舍的生活。乔杜里自2010年以来一直在新加坡工作,是住在这些宿舍的32.3万名移民工人中的一员。2020年4月21日,**对所有宿舍实施了严格的封锁措施,这些大部分来自南亚或中国的工人们基本上只能留在自己的房间里。在这里,乔杜里诗意的姿态与宿舍的影像片段叠加在一起——而新加坡的3万例新冠病患绝大多数都产生于此。

 

艾萨·霍克森(Eisa Jocson) 

艾萨·霍克森(Eisa Jocson)

 

艾萨·霍克森(生于1986年)是一位生活于马尼拉的编导、舞者和视觉艺术家。通过对菲律宾独特的社会经济进行观察,她的作品揭露了服务和娱乐行业的身体**。她的作品在世界各地的主要表演艺术节和双年展上广泛演出,包括“舞在八月”国际舞蹈节(柏林,2013/2015)、Spektakel剧院(苏黎世,2012/2013/2015/2017)、世界剧院(德国,2014)、亚洲表演艺术三年展(墨尔本,2017)和沙迦双年展(2019)。她是2018年菲律宾文化中心“十三位艺术家”奖(Thirteen Artists Award)的获得者之一。她在2019年获得了Hugo Boss亚洲艺术奖。

 

Superwoman KTV, 2019, video installation

 

《女超人KTV》由菲律宾女超人乐队主演,该乐队为歌曲《女超人》编排了一套舞蹈。这首歌最初由歌手Karyn White演唱,当菲律宾歌手Janine Desidario将其以新歌名《Hindi Ako si Darna》(我不是女超人)重新发行时即成为热门歌曲。该曲目对女性的情感劳动加以讲述,亦反映了菲律宾移民工人的斗争。在《成为白人》中,艺术家通过呈现迪士尼公主之一——白雪公主的原型,观察了移民工人如何表现“幸福”。作品指涉了包括中国香港迪士尼乐园在内的主题公园的许多移民工人,并就“幸福产业”、移民劳工和不平等的就业条件表明了态度。

 

迈克尔·朱(Michael Joo) 

迈克尔·朱(Michael Joo) 

 

迈克尔·朱(生于1966年)生活、工作于纽约。通过使用多种媒材并强调过程,朱的创作将人类的各种知识和文化状态加以并置,关注身份的流动性本质,并敦促我们质疑自身现存的感知世界的方式。朱的作品在世界各地的机构展出,包括史密森学会(**)、惠特尼美国艺术博物馆、第12届沙迦双年展、蛇形画廊和麻省理工学院List视觉艺术中心。2001年,朱代表韩国参加威尼斯双年展。他也是2006年光州双年展大奖的获得者之一。

 

Circannual Rhythm (pibloktok), 2003-2005, Three channel video projection with sound,

Installed dimensions variable

 

在这部录像作品中,“行动”表明了以下观点:我们对“边缘”或“边界”的概念是不断变化的,并且与我们的肉身自我相冲突。拍摄于阿拉斯加数个地点的《循环节奏》(pibloktok)由三个不同的视频片段组成,表达了时间与腐朽、第一世界与第三世界、社会学与心理学、腐败/消费与揭示等主题。项目的每一部分都描述了一组双重现实:首先是人体到大陆边缘的物理运动,以及由剥夺、缺乏接触和衰竭导致的内部旅程;其次是将社会文化价值强加于宗教或精神活动;利用自然的可预测性来产生不可知的视觉效果——这些力量在一个不断坍缩的世界里的雪地上竞相上演,并被定义为“消失的边疆”。

 

雅克·雷纳(Jac Leirner) 

雅克·雷纳(Jac Leirner)

 

雅克·雷纳(生于1961年)生活、工作于圣保罗。她将日常物品加以收集、积累,并将之整合进她的雕塑和装置作品中。雷纳曾于爱尔兰现代艺术博物馆(都柏林,2017)、水果市场画廊(爱丁堡,2017)、上海当代艺术馆(2016)、Museo Tamayo(墨西哥城,2014)和Pinacoteca画廊(圣保罗,2011)举办过回顾展,她的作品也被纳入主要的国际展览,包括沙迦双年展(2015)、伊斯坦布尔双年展(2011)和威尼斯双年展(1997/1990)等。她曾获约翰·西蒙·古根海姆奖学金,并在2019年获路德维希博物馆颁发的沃尔夫冈·哈恩奖。

 

Leveled White Line , 2018 – 2021, 140 cm long, 6 spirit levels, brads

 

在雅克·雷纳的作品中,“精神层次”是一个反复出现的主题。艺术家将材料集合起来挂在墙上,形成简单的线条或更复杂的图案;在《平整的白线》(2018-2021)中,六只德国制造的工具形成了一条横贯画廊的水平线,以简洁的姿态提出了秩序和平衡的主题。雷纳在对色彩和几何图案的使用上与保罗·克利、约瑟夫·阿尔贝斯和何里欧·奥蒂塞卡等艺术家形成对话,而她也同时将作品视为对不知名的发明家、工程师、设计师的天才创意及其工业成品的致敬。无论是在单件作品,还是在她四十年的艺术实践中,对“重复”这一技法的使用都像一个咒语:当我们反复观看,我们周围平凡事物的美便呼之欲出。

 

毛利悠子&大卫·霍维茨(Yuko Mohri & David Horvitz)

毛利悠子(Yuko Mohri) 

 

毛利悠子(生于1980年)在东京生活和工作。她的装置作品试图探测和揭示看不见的和无形的能量,如重力、磁力和风。她曾在银座索尼公园(东京,2020)、卡姆登艺术中心(伦敦,2018)、十和田艺术中心(日本青森,2018)举办个展,并参加了许多群展,如乌拉尔工业当代艺术双年展(叶卡捷琳堡,2019)、第九届亚太三年展(布里斯班,2018)、第十四届里昂双年展(2017)和科钦-穆吉里斯双年展(2016年)。她也是2015年日产(NISSAN)艺术奖的获得者。

 

大卫·霍维茨(David Horvitz)

 

大卫·霍维茨(生于1982年)是一位驻洛杉矶的美国艺术家。他的作品诙谐而富有诗意,与语言系统、时间和网络打交道。他的作品在纽约高线(即将展出)、纽约现代艺术博物馆、纽约新美术馆、旧金山现代艺术博物馆、巴黎东京宫、根特S.M.A.K和米兰HangarBicocca等场所展出过。2016年,他在柏林成立了Porcino画廊,这是一个附属于ChertLüdde画廊的微型空间。

 

A Walk at Dusk (Washingtonia Robusta/Mexican fan palm), 2018, Digital video with sound; 11:35 mins. Edition of 5 plus II AP.

 

《独步黄昏的钢琴》是毛利悠子与大卫·霍维茨的新合作作品。它结合了霍维茨的视频《黄昏时分的散步》(2018)。当霍维茨在黄昏时分穿越高尔夫球场时,他投下了成千上万的墨西哥扇形棕榈树的种子。这些树是洛杉矶的标志性形象,实际上却是墨西哥北部的原生植物。该作品以洛杉矶盖蒂博物馆收藏的一幅卡斯帕·大卫·弗里德里希的画作为标题。这段视频与毛利悠子的新作《钢琴独奏》(2021)同步播放,后者由视频和迷笛键盘组成。

 

劳瑞·普罗沃斯特(Laure Prouvost)

劳瑞·普罗沃斯特(Laure Prouvost) 

 

劳瑞·普罗沃斯特(生于1978年)生活和工作于安特卫普。她标志性的沉浸式混合媒介作品以幽默出格的方式将影像和装置加以结合,指涉了沟通的谬误和在翻译中迷失之物。她的作品广泛展出于夏洛特堡宫(哥本哈根)、M HKA当代艺术博物馆(安特卫普)、Kunsthalle Lissabon画廊(里斯本)、东京宫(巴黎)、SALT Galata画廊(伊斯坦布尔)、倍耐力当代艺术中心(米兰)、红砖美术馆(北京)和新美术馆(纽约)等。普罗沃斯特于2011年获Max Mara女性艺术奖,于2013年获得特纳奖。她代表法国参加了2019年威尼斯双年展,并被列入第22届悉尼双年展(2020年)的“NIRIN”名单中。

 

Re-dit-en-un-in-a-learning, 2020, Video, Two versions: 23 min 21 sec and 13 min 18 sec, Edition of 3 + 2 Aps

 

伴随着这段视频,艺术家邀请观者放慢脚步,深呼吸,回溯我们在疫情中的得失。这段旅程逐渐延伸为艺术家的个人叙事:她考量了复杂的展览制作过程,并通过像素过滤器体验了自己的作品。贯穿整个视频的是艺术家最初在一本书中提出的一种新的言说/视觉语言的痕迹,它探讨了意义的构建、先天与后致的学习行为以及沟通的艺术本身。当我们从当前的孤立时代重新出发时,艺术家提供了一种及时的思考。

 

史莱姆引擎(Slime Engine)

史莱姆引擎(Slime Engine)

 

史莱姆引擎创立于2017年,是一个位于上海的艺术家团体,由李汉威、刘树臻、方阳和善良共同策划,致力于开发作品创作形态、展览策划与观展方式。他们的作品在中国和其他国家都已展出过,展览地点包括上海的新时线媒体(CAC)艺术中心(2020)、上海当代艺术博物馆(2020)、美国罗德岛艺术学院画廊(2019)、昊美术馆温州馆(2019)等。

 

Ocean, 2019, Gaming Project

 

《海洋》是史莱姆引擎开发的一款第一人称艺术体验类游戏。这款游戏与100多位艺术家合作,在一个数字化的无尽海洋中,玩家可以浏览这些艺术作品。游戏是一个展览中的展览,也是一个数字博物馆的传送门。在疫情导致艺术的实体体验停滞之后,史莱姆引擎对数字空间的探索,涉及到展览制作和线上与线下的艺术爱好者对参与的期望,为想象一个后实体艺术世界开辟了创新的道路。

 

沃尔夫冈·提尔曼斯(Wolfgang Tillmans) 

 

沃尔夫冈·提尔曼斯(Wolfgang Tillmans) 

 

沃尔夫冈·提尔曼斯(生于1968年)是一位常驻柏林的艺术家和摄影师。自20世纪90年代初以来,他拓宽了使用摄影媒介的传统方式,他的实践持续解答如何在一个图像日益饱和的世界中创造图像的基本问题。提尔曼斯在众多国际机构举办了个展,包括伦敦泰特美术馆、纽约MoMA PS1、洛杉矶哈默博物馆、**特区赫什霍恩博物馆、墨西哥城塔马约博物馆、伦敦蛇形画廊、圣保罗现代艺术博物馆、苏黎世艺术馆、斯德哥尔摩现代美术馆、大阪国立美术馆、巴塞尔贝勒基金会、金沙萨当代艺术博物馆、都柏林IMMA和布鲁塞尔维尔斯等。蒂尔曼斯是特纳奖、哈苏奖和凯撒林奖的的获得者。他目前担任伦敦当代艺术学院的董事会主席。

 

Neue Welt, 2012, 10 Inkjet prints

 

用艺术家的话说,《新世界》(2012年)审视“在远离我的惯常路径的情况下观察,世界究竟是什么样子”,是提尔曼斯最初开始拍摄的20年后,对世界如何以多种方式发生了变化的法医式调查。这是一次对不安和好奇心的驱除,以及对什么(如果有的话)构成“新”的调查。它是一次环球闪电旅行的结果,艺术家带着“新”的数码相机(及其体现的“新”技术),从塔斯马尼亚的地下室车库去到热闹的印度街道,从银色的远东商场到巨大的垃圾堆。“破浪”展示了该系列的10张图片,这些图片既是“漂移”的产物,也反映了个人关注,同时也是对一个被越来越高清地体验的世界的反馈。

 

郑波(Zheng Bo) 

郑波(Zheng Bo) 

 

郑波(生于1974年)在中国香港的大屿山生活和工作。他关注万物生机,从边缘人群和边缘植物的视角探查历史、想象未来。他的作品曾在2021年利物浦双年展、2020年横滨三年展、Manifesta 12、第11届台北双年展和第11届上海双年展中展出。他在上海纽约大学当代艺术中心、京都市立艺术大学画廊、都灵的Parco Arte Vivente和台北的立方计划空间举办过个展,目前在柏林格罗皮乌斯博物馆举办个展“万物社”。郑波在中国香港城市大学创意媒体学院任教,指导万物实践社。

 

Grass Roots, 2015, Pencil on paper, a set of 12 drawings, 27 x 34 cm each.

 

2015年的夏天,郑波住在上海。他拔了一些野草并绘制了它们的根茎,之后又将野草种回了土中。

 

主办方、场馆介绍

关于K11 Art Foundation

K11 Art Foundation(KAF)由郑志刚(Adrian Cheng)于2010 年创立,是个推动中国当代艺术持续发展的非营利机构,全力支持大中华地区新晋艺术家创作,让他们在国际舞台上尽显才华。

 

KAF 不但培育艺术人才,还扶植有潜质的年轻策展人的专业发展。KAF 积极与世界各地的知名艺术机构合作,举办地区性及国际性艺术项目。KAF 曾与费格拉斯卡拉・达利基金会、伦敦蛇形画廊、伦敦当代艺术学院、巴黎蓬皮杜艺术中心、巴黎东京宫、巴黎玛摩丹莫内美术馆、纽约大都会博物馆、军火库艺术展、纽约新美术馆、纽约现代艺术博物馆、MoMA PS1 等知名艺术馆和单位合作,向亚洲以至他国展示中国艺术家的杰出之作。

 

位于中国武汉市的K11 艺术村自2011 年起营运,一直是KAF 举办艺术家驻留计划的基地;2017 年11 月,艺术村搬往武汉K11 Select,为来自中国和世界各地的驻村艺术家提供更完善的资源和设施,进行创作和交流。现时艺术村除了设有艺术家工作室,还配备展览空间和多用途活动室,举行各式各样的展览和活动,鼓励创作之余,也让艺术走进大众的生活当中。

 

透过展览、合作、驻留、研究、出版及教育项目,KAF 在大中华地区及世界各地建立了无数创作、展示及认识当代艺术的平台,激发广大观众对当代艺术的兴趣,并提升公众鉴赏艺术与文化的能力。

 

关于ArtReview

ArtReview成立于1949年,是世界国际当代艺术杂志之一,致力于扩大当代艺术的受众和影响力。其姊妹刊物ArtReview Asia成立于2013年,旨在探索世界上大的大陆上的艺术表达的多样性,并关注艺术在亚洲的社会作用。两本杂志同时面向专业人士和普通读者,内容涵括当代艺术批评,对文化事件的评论、报道和分析,以及艺术家委任作品,为多样形态的当代艺术提供最为成熟、深入和亲密的描绘。ArtReview和ArtReview Asia开发的创新产品包括一年一度的Power 100榜单,榜单揭示推动当代艺术世界的结构,以及Future Greats,发掘艺术界即将势不可挡的未来之星。网站artreview.com呈现新闻、评论、观点、视频和刊物内容。同时,ArtReview还在多国范围内开展广泛的现场活动,包含讲座、策展和咨询服务。ArtReview是中国高端国际传播集团——现代传播集团的一部分。

 

关于chi K11 美术馆

坐落于上海繁华地区,chi K11 美术馆总⾯积达3,000 平⽅⽶。⾃2013 年开幕以来,美

术馆举办了超过53 场艺术展览,包括「印象派⼤师·莫奈特展」、「跨界⼤师·鬼才达利」及多场当代艺术展,逾200 场展览系列讲座,形式多样的艺术⼯作坊和艺术论坛。

美术馆曾与巴黎东京宫、庞毕度艺术中⼼、伦敦ICA、蛇形画廊、纽约MoMA PS1 和新

美术馆,为公众展⽰中国当代艺术与国际权威机构的多元合作和跨⽂化碰撞,同时为艺

术爱好者们提供了近距离接触当代艺术的⾮凡体验。

 

chi K11 美术馆如同⼀个让艺术发⽣的游乐场,把美术馆⾥的艺术品呈现在触⼿可及的

地⽅,同时以舞台般的体验激发客⼈的艺术潜⼒。这不仅激发了当代艺术的多种表达,

更为⼤众带来体验本土文化与艺术交融的⽆限机会。

 

关于 K11 集团

K11 集团由企业家郑志刚博士 (Adrian Cheng) 于 2008 年创立。其独特的品牌理念将艺术和商业融入办公室及住宅房地产项目中,并在大中华区以至世界拥有多个品牌。 

筹备10年,K11 集团创立至今具有前瞻性的文化零售概念项目 K11 MUSEA,已于 2019 年8 月盛大开幕。创办人郑志刚的愿景是将K11 MUSEA打造成中国香港的文化硅谷,创建尖沙咀海滨上的文化零售新地标,继续推动创意、文化和创新的力量。

除了 K11 旗舰购物艺术中心,K11 集团破格意念也包括为新世代创立的甲级写字楼品牌 K11 ATELIER;尊贵寓所K11 ARTUS;开放式教育平台 K11 KULTURE ACADEMY;利用崭新科技推动的顾问及市场调查机构 K11 Future Taskforce;扶植艺术家及策展人的非营利机构K11 Art Foundation;以及初个以保留及传承中国传统手工艺的文化基金会K11 Craft & Guild Foundation。 

K11 集团扎根于中国香港,业务遍布大中华区,还有欧美等地的投资等。

 透过 K11 集团体现了创办人对革新,创作和文化的不懈追求,为中国千禧世代塑造崭新国际定位, 建立智慧交流。未來5 年,K11 集团的足迹将遍布大中华地区的10个城市,合共40 个项目 (总建筑面积达280万平方米)。K11 获评《快公司Fast Company》2019 年城市发展和房地产领域中具有创新力企业之一。


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  • 周一-周日10:00-20:00(19:30停止入场)

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  • 周一-周日10:00-20:00(19:30停止入场)

禁止携带物品

  • 由于安保和版权的原因,大多数演出、展览及比赛场所禁止携带食品、饮料、专业摄录设备、打火机等物品,请您注意现场工作人员和广播的提示,予以配合。

寄存说明

  • 无寄存处,请自行保管携带物品,谨防贵重物品丢失。

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